P.J. Harvey Discografía

P.J. Harvey nació el 9 de Octubre de 1969 en un entorno donde sus padres (un picapedrero y una escultora) la criaron en una granja de ovejas en las afueras de Yeovil, Somerset en el Reino Unido. Introvertida y de carácter tímido, en la adolescencia Harvey ya se interesaba por la música (de hecho su primer instrumento fue un saxofón) y pronto empezaría a componer canciones. Sus primeros pasos musicales vinieron de la mano de la banda de Bristol Automatic Dlamini. Pero enseguida se juntó con el batería Rob Ellis y el bajista Steve Vaughn, en lo que seria su formación definitiva y con la que se daría a conocer. Por aquellas mismas fechas se mudó a Londres para estudiar escultura en el St Martín's School Of Art y compatibilizar sus dos grandes pasiones, la escultura y la música.



La historia de PJ Harvey, arrancó con la aparición de "Dry" en 1992 y fue publicado por el sello Too Puré. Esa discográfica donde parece caber todo tipo de sonidos y que alberga grupos tan inquietos estilísticamente como Bows, Hefner, Jack o Laika. Su álbum de debut sorprendió al mundo por mostrar a una mujer directa, contundente, arrogante y desnuda. Sin ningún tipo de remilgos, se atreve a componer canciones sinceras que hablan de la inestabilidad emocional, los celos o la dualidad y conflictos que surgen entorno al hombre y la mujer. Gracias a arrebatadoras muestras de talento como "Oh My Lo ver", "Dress", "Happy And Bleeding" o "Sheela-Na-Gig" logró construir un manual de estilo propio donde surgieron comparaciones con Patti Smith o Johnny Mitchell. Pero, en realidad, "Dry" fue y sigue siendo un trabajo directo, arriesgado y con las emociones a flor de piel. Y todo sea dicho, uno de los mejores debuts de un artista en la década de los 90.




Solo un año después la Harvey sorprende a propios y extraños con la brutalidad de su siguiente trabajo "Rid of Me". Un disco desgarrado, primitivo que contó con la brillante producción del mítico Steve Albini, que ya había trabajado con grupos del calibre de Nirvana o los Pixies (por poner algunos ejemplos conocidos).

El disco respira una atmósfera contundente, brutal, violenta y contiene muchos de los temas que hoy en día pertenecen a la cumbre musical de la artista como “Rid Of Me”, “Man Size” o “50 Ft Queenie”.



"Rid of Me" desbordó todas las previsiones y se convirtió en uno de los mejores álbumes de aquel 1993. Elegido como mejor disco del año por la prensa especializada se decidió sacar una revisión del mismo trabajo pero esta vez en clave de demo, es decir se editaron las canciones tal y como estaba prevista grabarlas antes de la llegada de Steve Albini a los controles. El resultado es "4-Track Demos" un compendio de canciones desnudas y a medio cocinar, con la suerte de rescatar descartes de la talla de "Hardly Wait" que formó parte de la banda sonora de la película "Días Extraños" interpretada por Ralph Fiennes y Juliete Lewis




"Rid Of Me" generó mucha presión en la artista que se vio obligada a retirarse de los escenarios y centrarse en la grabación de su siguiente disco, el fascinante “To Bring You My Love" que se publicaría dos años después y que deambula por pasajes más sosegados pero igual de inquietantes que su predecesor. Personajes como Mick Harvey de los Bad Seeds, Joe Core de la banda de Tom Waits, Flood (productor, entre otros, de U2 y Nine Inch Nails) o su antiguo amigo John Parish (de Automatic Dlamini) acompañan ahora a PJ Harvey, sustituyendo al bajista Steve Vaughan y al batería Rob Ellis.

Como resultado, Polly rinde tributo a algunos de los músicos que más admira como Captain Beefheart, Tom Waits, Diamanda Galas o Nick Cave, facturando un LP de blues post-punk ambicioso, oscuro y fascinante. Una de esas obras mayores que no dejan indiferente a nadie y para muestra este inquietante cuento infantil "Down By The Water"





Un año después, en 1996, PJ Harvey sorprende con un disco de colaboración junto a su amigo John Parish, la unión de fuerzas genera un decadente y
espectacular blues rock que llevaba por nombre "Dance Hall At Louse Point". En este caso Parish se encargó de la música mientras que Polly elaboró las letras y la parte vocal. El resultado es opresivo, fracturado y contiene momentos absolutamente psicóticos como "City Of No Sun" o "Taut" para dar lugar a pasajes mas sosegados como "That Was My Veil", una de las mejores canciones de la artista.




El siguiente paso en la carrera de la artista llegaría en 1998 con un experimental "Is This Desire?" que rompería con las pautas marcadas en su anterior etapa y que dejó desorientada a la critica y a sus fans más incondicionales. La electrónica y el sentimiento se funde en un singular resultado donde brillan composiciones como "Angelene", "The Sky Lift Up", los sampleados de "The Wind" o la enérgica "A Perfect Day Elise".



El año 2000 devolvería a PJ. Harvey a la palestra con un apasionado "Stories From The City, Stories From The Sea" un autentico manual de supervivencia urbano, donde Polly denuncia el exceso de violencia de las ciudades y la corrupción de la sociedad, alejándose de las historias intimas que habían llenado sus anteriores trabajos. El resultado es espectacular y absolutamente enérgico, nos encontramos con una artista expansiva, que rehuye de la introspección y de sus obsesiones iniciales. Colaboraciones de altos vuelos como Tom York (Radiohead), hace que la música de la artista alcance a un mayor publico.



"Uh Hu Her" se publicó el año 2004 y después de su "Stories From The City Stories From The Sea" vuelve a sus orígenes y a una producción casi amateur para retomar las temáticas que han sembrado sus primeros discos. Es decir las relaciones personales, pero desde una perspectiva mucho más serena y madura, aunque sigue habiendo cortes de extrema crudeza como "Who the fuck" o "The Letter". Para ello contó con su formación original Rob Ellis y Steve Vaüghn que ayudaron a la artista a esta personal vuelta a las cavernas.



Año 2007, se anuncia la vuelta de P.J. Harvey. El resultado lleva por nombre “White Chalk” y es un trabajo nocturno, singular y arriesgado, donde el piano es el hilo conductor de todo el álbum. Para dar forma a este singular proyecto se rodea de su habitual John Parish, Eric Drew Feldman (Captain Beefheart, The Residents, Pere Ubu…) y Jim White.

La Harvey se desmarca de toda su trayectoria anterior para dar una vuelta de tuerca a los caminos explorados. Un esfuerzo notable que no siempre da en la diana pero que guarda momentos absolutamente mágicos como “Grow, Grow. Grow” o “When Under Ether”. No obstante siempre es refrescante que una artista tan compleja y completa cambie de miras y realice un esfuerzo tan notable por descubrir nuevas vías de expresión.


Y hasta aquí un breve repaso a una de las artistas más completas y fascinantes que ha dado esa cosa llamada el mundo del rock. Me dejo en el tintero discos igual de interesantes como las Peel Sessions, sus colaboraciones con otros artistas como Nick Cave, Moonshake…pero eso mejor lo dejamos para otro día.

THE FOR CARNATION DISCOGRAFÍA

Quizás una de las cosas que me más me gusta de David Lynch es el magnetismo que transmiten alguna de sus imágenes. No sé si hemos de darle las gracias al director de fotografia, decoradores o a quien corresponda, pero la cuestión es que hay veces que en sus películas o más bien con algunas de sus imágenes, me quedo completamente hipnotizado. A veces simplemente se trata de un plano apenas vacío, que contiene un minúsculo detalle en el que se recrea; otras veces el director parece disfrutar con cierto barroquismo, cierta fealdad (no hace falta recordar su obsesión por lo freak y los freaks) o en la creación de atmósferas totalmente opresivas y decadentes para transmitir algo que a veces tiene la virtud de transmitir una belleza totalmente distorsionada, pero con una fuerza grafica de la que es imposible alejar la mirada.

Pues algo así pasa con la música de The For Carnation. Nacidos de las cenizas de Slint, esta formación que cuenta con nombres tan ilustres como Brian McMahan (Slint, Squirrel Bait), David Pajo (Slint, Tortoise, Sterolab, Zwan, Aerial M, Papa M…), Douglas McCombs (Eleventh Dream Day, Tortoise…) y John Herndon (Poster Children, Isotope 217..) forman una superbanda de esas que quitan el hipo y que además es buena parte de la historia de música de lo que fue el underground norteamericano de principios de los 90.

The For Carnation es un grupo que tiene la extraña cualidad de transmitir más con menos. Algunos lo llaman Sad Core y les metieron en el saco de Low, Codeine y demás luminarias del fenómeno lacrimógeno - depresivo. Otros decidieron subirles al carro del Post Rock donde convivían a sus anchas todo tipo de grupos más o menos inclasificables o con cierta envergadura experimental. Desde Sterolab a Tortoise, pasando por Bark Psicosis o Joan Of Arc.



Debutaron en 1995 con un E.P. “Figth Songs” poniendo a prueba la paciencia del oyente en un ejercicio de intimismo y minimalismo casi enfermizo. Desaparece la tensión de proyectos anteriores como Slint para dar paso a pasajes más sosegados. Solo tres canciones de una duración total de apenas 15 minutos bastan para dejarle a uno completamente sobrecogido. La inicial “Grace Beneath the Pines” con apenas un puñado de acordes consigue emocionarte; espacios vacíos y una voz que llega hasta lo más profundo y que es casi un susurro, para después continuar con un corte más rítmico e instrumental de apenas minuto y medio “How I Beat the Devil” que da paso a un fantástico “Get and Stay Get March” que deambula entre la solemnidad y la oscuridad y que es el broche final para esta excelente carta de presentación.



En 1996 debutaron con su primera larga duración “Marshmallows”, que tiene una portada de lo más inquietante. Es una imagen extraña, sujeta a muchas interpretaciones y que no deja de ser misteriosa en cualquier caso. El disco se abre con la sosegada “On The Swing” una canción aparentemente desnuda que podría parecer una canción de cuna, para continuar con la inquietante e instrumental “I Wear The Gold” un autentico vendaval con guitarras que se van distorsionando. Una de las joyas de este disco se llama “Salo” que comienza con una especie de sonar para ir cogiendo una intensidad que recuerda a los mejores Slint. “Marshmallows” es sin duda una evolución, en cuanto a que presenta un abanico más amplio dentro de su sonido aunque si bien es cierto que este disco se presenta como bastante irregular.



Su ultimo testimonio sonoro es el fantástico y homónimo “The For Carnation” que además contó con colaboraciones de renombre como Kim Deal (Pixies, The Breeders, The Amps) en cortes como “Tales (Live From The Crypt)”. Es un disco mucho más equilibrado. No se salen de la senda marcada en sus anteriores trabajos, pero si son capaces de crear atmósferas más densas y dejar un poco de lado el minimalismo de sus anteriores álbumes. Comienzan con la nocturna “Emp. Man's Blues”, uno de los mejores cortes del disco, para continuar con la inquietante e instrumental “A Tribute To” y que marca la tendencia posterior del disco; “Being Held” también instrumental se encarga de incrementar la tensión para después pasar a un “Snoother” que da cierto respiro al oyente. Este es el último disco de una banda que supo encontrar las emociones a base de esquemas simples y que supo plantear retos al oyente en cada nota y en cada canción, y que lo hace absolutamente recomendable por descubrir otra forma de disfrutar la música.

+ Mp3:

- Emp. Man's Blues

DISCOGRAFÍA HELIUM

Helium es un grupo de esos con un currículum extenso y con una trayectoria corta, tan solo un par de discos y un par de E.P.´S vieron la luz durante la década de los 90. No obstante han dejado un legado raro, misterioso y a veces complejo.

Se puede decir que el motor de arranque de este grupo fue Mary Timony, antes en Autoclave junto a Christina Billotte (de las imprescindibles Slant 6, Qui*x*otic y actualmente en The Casual Dots), y lo que queda claro viendo la trayectoria posterior de la Timony es que buena parte del sonido del grupo se debe a ella. La banda nació en 1992 con Brian Dunton haciéndose cargo de las tareas del bajo y Shawn King Devlin como batería. Pero en 1995 Brian Dunton dejo la formación para ser reemplazado por Ash Bowie de los inclasificables Polvo, para así conformar la banda definitiva.



Debutaron en el 1993 con el E.P “Pirate Prude” que establecía en buena medida las bases del que seria el sonido “Helium”, es decir, guitarras intrincadas, voces oscuras y una forma un tanto particular de entender o retorcer el concepto de melodía. Buen ejemplo de ello es “Baby Vampire Made Me” con una batería monolítica y una voz de llena de angustia.



Después de este magnifico E.P. se estrenaron con un larga duración que hizo que muchos pusiéramos las miras en este grupo supuestamente menor, el titulo parecía revelador “The Dirt Of Luck”. Sonido contundente (“Pat´s Trick”), una rítmica aplastante (“Skeleton”) y cierto toque épico (“Silver Angel”) para unas composiciones que pasan del pop más etéreo, a una riqueza musical llena de matices y detalles. La voz de Mary Timony despliega toda su dulzura llegando en algunas ocasiones a convertirse en un susurro “Oh the wind and rain”, para luego inquietar en canciones como “Medusa”. En cuanto a las letras, la temática circula en torno a mundos fantásticos y criaturas mitológicas lo que vendrá a ser una constante en la carrera del grupo y en la que después la cantante desarrolle en solitario.



La siguiente propuesta del grupo vendría en 1997 en forma de E.P. “No Guitars”, el sonido se vuelve menos intricado y apuestan por un pop más oxigenado y no tan opresivo como en su disco de debut, buena muestra de ello es la inicial “Silver Strings” o “Dragon #”; en “The King of Electric Guitars” vuelven al sonido etéreo marca de la casa y con “13 Bees” practican un ejercicio instrumental de música mediaval. Digamos que este E.P es un magnifico puente entre su anterior disco y su siguiente largo.



Su último disco fue publicado en el mismo año en el que apareció “No Guitars”, es decir en el 97, y sigue explorando las vías abiertas en el E.P. Un mayor acercamiento al pop y un abanico más amplio, si cabe, de sonidos. En este “The Magic City” se adivinan ciertas influencias pasadas por el “tamiz Helium” como B52´s en la magnifica “Leon´s Space Song” o “Devil´s Tear”. Se alejan totalmente del concepto de su primer disco evitando la oscuridad de las composiciones y apostando por un pop más luminoso. Además se aprecia una mayor riqueza instrumental incorporando teclados, flautas y sintetizadores varios. Buena muestra de ello es la instrumental “Mediaval People” una marcianada que circula entre la música mediaval y el techno de los 80. Hay composiciones realmente hermosas como “Cosmic Rays” y guitarras que parecen retorcerse como en “Walk Away”. A pesar de apostar por un sonido más accesible siguen conservando ese extraño halo de rareza que los hacia únicos y especiales, dejando un testamento sonoro totalmente adictivo y en el que merece la pena adentrarse.



* VIDEOS:

- "Pat's Trick"



- "Superball"
- "Honeycomb"
- "Leon´s Space Song"
- "XXX"